Marc Chagall Pintor de Sueños...

Mark Zajárovich Shagal Vitebsk  nació el  7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence  Francia, 28 de marzo de 1985 fue un pintor francés de origen bielorruso.

Chagall  fue  participante activo en la Revolución rusa de 1917. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte para la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte.
Sin embargo, no se desempeñó bien dentro del sistema soviético y por esta razón se muda a Moscú en  y luego a París en 1923.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno.

Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte donde estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Luego de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vitebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y el siguiente año tienen una hija a la que llamaron Ida.

En el tiempo de la ocupación  de  Francia por los nazis, Chagall tuvo que huir  a los Estados Unidos,tiempo en que pierde a su esposa  y publica una carta escrita saludando la liberación de Francia y la resurrección de la libertad en el arte, a pesar que siempre estimó América y los americanos Chagall regresó a  la Cote d'Azur  donde tenía grandes amigos y a insistencia de su hija, se casó con Valentina (Vava) Brodsky una mujer rusa de orígen judio como el, pero convertida al cristianismo, quien influenciaría en su obra en cierta manera, la relación aunque conflictiva duró 6 años, tiempo en el que Chagall trabajó en vitrales  en la catedral de Metz, e igualmente algunas comisiones  en el  Hebrew University's Hadassah Medical Center de Jerusalem.

En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes,  pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.

En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta de un artista, que ofrece el significado de la vida y el arte es el color del amor.....

Sólo me interesa el amor, y estoy solo en  contacto con las cosas que giran en torno del amor.

Finalmente podemos apreciar que Chagall a lo largo de su vida fue un artista que nunca comprometio su libertad y su arte, nos dejó hermosos vitrales en  Catedrales, el techo de la Opera de París, diversos trabajos en cerámica, y sobre todo sus oníricas pinturas de amantes flotando en el aire del enamoramiento  y como el solía decir...Sólo me interesa el amor y estoy solo en el contacto con las cosas que giran en torno del amor. 

Marc Chagall vivió hasta  la edad de 98 años despues de haber pasado toda su vida en  el exilio, el se consideró siempre  un ciudadano del mundo....

El Estilo Lúdico de Joan Miró

Joan Miro nació en Barcelona el 30 de Abril 1893 - Mallorca 25 de Diciembre 1983 pintor, escultor, grabador y ceramista, considerado uno de los maximos representantes del movimiento surrealista, aunque  en sus comienzos tuvo una tendencia al  fauvismo, su  estilo libre , onírico y lúdico lo colocan como surrealista, Miró declinaba comprometerce con el movimiento.

La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia con las tendencias francesas, postimpresionismo, fauvismo y cubismo.

Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico . La otra gran influencia de la época vendría de la mano de Paul Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes  de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.

 Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.

Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se  realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.

Una de las pinturas más interesantes de este periodo es Carnaval de Arlequín (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.

Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista.

Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista , el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por "transformar el mundo" por medio de la política o el "cambiar la vida" de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo. Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:

A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa , donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro, en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer y con colores primarios.

Las Flores de Georgia O'keeffe

Georgia O'keeffe nació en Sun Prairie, Wisconsin 15de Noviembre 1887-Santa Fé, Nuevo México el 06 de Marzo 1986.Artista estadounidense, una de las mas celebradas de los Estados Unidos Estudió arte en  el  Art Institute de  Chicago y luego en el Art Students League  de  New York , hubo un tiempo en que pensó que mejor sería artista comercial, aduciendo que el olor a trementina le producía naucea y dejó de pintar por cuatro años, volviendo a retomar estudios de arte en la Universidad de  Wisconsin,  luego de lo cual se dedicará a la enseñanza de arte en varias escuelas de arte de la región. 

Mientras estaba en Carolina del Sur, un amigo suyo mostró algunos de sus trabajos a Alfred Stieglitz, fotógrafo y dueño de una galería de arte, quien quedó impresionado por su trabajo. Luego de algunas negociaciones, O'Keeffe autorizó a Stieglitz para exhibirlos. Stieglitz quedó especialmente impresionado por sus pinturas de paisajes del Oeste americano. Él vivió con O'Keeffe por un tiempo cuando regresó a Nueva York, pero ella quiso viajar al oeste y Stieglitz no compartía sus planes. Durante su estancia en Nueva York, O'Keeffe conoció a los grandes modernistas americanos, Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, Paul Strand y Edward Steichen.

El encuentro con Stieglitz se convirtio en una relacion que acabaria en matrimonio diez años mas tarde,

En. 1917 celebró su primera exposición individual en la galería 291 y poco más tarde se trasladó a Nueva York gracias al patronazgo de Stieglitz. Desde 1918 convivió con él y en 1924 contrajeron matrimonio. A partir de ese momento y hasta 1946, año de la muerte de Stieglitz, expuso su obra prácticamente cada año en sus diferentes galería.

Durante. la década de 1920 Georgia O’Keeffe llegó a su madurez artística, que se manifestó en una particular combinación de simbolismo, abstracción e interés por la fotografía. En 1924 O’Keeffe realizó  Santa Fe, Peters Gallery, que fue la primera de sus flores de gran formato, que pronto se convertirían en sus obras más aclamadas. Poco después comenzó una serie de paisajes urbanos que tenían como protagonista a la ciudad de Nueva York y en 1931 realizó su primera pintura de hueso.

En 1949 se trasladó definitivamente a Abiquiu  Nuevo México, donde desde 1929 había pasado muchos veranos. Sus obras de este periodo fueron en su mayor parte reelaboraciones de ideas anteriores. Durante sus últimos años de vida, en los que debido a su pérdida de visión experimentó con la alfarería, recibió numerosos galardones y se celebraron muchas exposiciones en su honor.

“La mayor parte de la gente en la ciudad corre tanto, que no tiene tiempo de mirar flores. Quiero que las miren, lo quieran o no”.

“No copio las cosas enteras, sino fragmentos, porque pinto lo que me parece importante o me hace sentir emociones dentro del todo”.

“Si uno  mira detenidamente una flor, tiene todo el mundo delante suyo”.

"Rellenar el espacio de modo hermoso. Eso es lo que el arte significa para mí".

 

La Expresión Abstracta de Mark Rothko..

Marcus Rothkowitz Daugavpils, Letonia , 25 de Septiembre de 1903 - New York 25 de Febrero de 1970, conocido como Mark Rothko fue pintor y grabador asociado al Movimiento Contemporaneo del Expresionismo  Abstracto. En 1925 inició su carrera como pintor expresándose más como surrealista, sus estílos cambiaron dramáticamente y hacia 1947 sus cuadros eran concepciones expresionistas que consistian en grandes superficies  de rectángulos con tonalidades negras, marrones,violetas y rojos,sus grandes dimenciones tenían la intención de hacer al espectador participe  de su experiencia místico-religiosa, probablemente consecuencia de su educación judio-ortodoxa.

Hijo de judios imigrantes Rothko creció en Portland Oregon  a pesar de su inclinación al arte (tocaba piano y mandolina tambien escribía poesía) Rothko no tuvo una formación formal en arte, al principio  prefirió carreras como la de abogado o ingeniero y aunque abandonó sus primeros años de estudios, continuó tomando clases en filosofía, economía y física. Sólo cuando se mudó a New York es que tomó más seriamente su formación en arte, de  la que se refirió diciendo... 

"Entonces un día resultó que presencié una clase de arte, con el motivo de encontrarme con un amigo que estaba asistiendo al curso. Todos los estudiantes estaban realizando un bosquejo de una modelo desnuda, y en ese momento decidí que esa era la vida para mí."

Entre sus tempranas influencias estan la pintura de Paul Klee y Max Weber, la mudanza a New York fue benéfica y fértil. En esta época conoció a Adolph Gottlieb, quien conjuntamente con Barnett Newman, Joseph Solman y John Graham eran parte de un grupo de jóvenes artistas seguidores del pintor Milton Avery, con quienes discutia  arte y a la vez afianzaba sus estudios de color y forma. En aquel  tiempo  hace su primera muestra en la Contemporary Art Gallery.

Se piensa que Rothko fue traumatizado por  presenciar la  ejecución de judios por parte de los cosacos algo que en una ocasión se refiró como... Rothko creía que el color actuaba directamente sobre el alma y era susceptible de producir emociones profundas en el espectador.

«Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques, y les hicieron cavar una fosa común...Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre había ocurrido durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba, y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica».

Un episodio depresivo, posiblemente con influencias de antidepresivos y adicción profunda al alcohol llevó a Rothko al suicidio. Ciertas fuentes señalan que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra, siendo esta última de tonos más oscuros que podrían introducir el trágico final del autor.

A pesar que Mark Rothko no se consideraba un artista Abstracto, su trabajo y su legado artístico tiene el valor de haber sido el uno de los más grandes exponentes de la Vanguardia de Arte Americano, su profundo misticismo, su emocional acercamiento a la vida y a su arte hacen de Mark Rothko uno de los pioneros del Modernismo, su concepto de abstración traspasó los límites de la forma valiendose del color como pura manifestación de la emoción humana
Por último otro legado importante  de Mark Rotko son sus Escritos Sobre Arte..
"Creo que el problema no está en ser abstracto o figurativo. Lo que hay que hacer es ponerle fin a ese silencio y a esa soledad, respirar y extender los brazos de nuevo"

 “Soy consciente de que pintar cuadros tan grandes es grandilocuente y pomposo. Pero pinto así precisamente porque quiero ser íntimo y humano. Si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. Y el espectador también se siente dentro del cuadro”

"Quizás haya notado que en mis cuadros existen dos características: o bien se trata de superficies expansivas que se dilatan hacia el exterior en todas direcciones, o bien de superficies que se contraen y retraen hacia el interior en todas direcciones. Entre estos dos polos encontrará todo lo que tengo que decir"

El Expresionismo en la Obra de Emily Carr...

Emily Carr nacida el 13 de Diciembre de 1871 al 2 de Marzo de 1945 en Victoria Canada, considerada como el más prominente "Icono Canadiense" se le conoce por ser una  de las artistas que más captó el espíritu de Canadá  en un estilo moderno, su pintura expresa la voluptosidad de los bosques del interior de British Columbia y la iconografía de los Totems Nativos , expresión de las comunidades indigenas  de la costa del Pacífico.

Nacida en el seno de una familia  presbiteriana, la cuestión espiritual no fue muy ajena a su educación y formación como ser humano, Emily Carr inició sus primeros estudios en  el San Francisco Art Institut, de cuyo regreso  hizo una serie de esbozos  sobre los paisages  rurales de la Costa del Pacífico muy especialmente en las comunidades  aborígenes de los pueblos "Nootka".

Al siguiente año Emily Carr  viajó a Londón a estudiar en el Westmister Art School, luego  en París cursó estudios en Academie Calarosi, a donde entró en contacto con pintores modernistas, post impresionistas y fauvistas de la época que influenciaron su estilo marcadamente,  a su regreso a Norteamerica Emily viajó con sus hermanas a Alaska y volvió impresionada por  los colores de la Costa Oeste y produjo  la mayoría de sus obras que fueron una recopilación de "Totems Poles" que se guardan como testimonio cultural de las poblaciones indigenas de la zona  de Queen Charlote Island, Haida, Gitxan, Tsimshian, Cumshewa, trabajos que producia a lo largo de sus viajes entre la espesura de los bosques..

Con el tiempo la obra de Emily Carr atrajo la atención de prominentes funcionarios del Museo Nacional de Ottawa y recibió la invitación de exponer sus obras en The National Gallery ocasión  que le permitio entrar  en contacto con  el Group of Seven,  una agrupación de pintores modernos paisajistas muy renombrados  que influenciaron  en su trabajo posterior, acabando asi  el aislamiento en el que se mantuvo por mas de 15 años, tiempo en que tambien se afianza su afiliación al movimiento Teosófico de la época dando a su arte un sentido mas espiritual.

Emily Carr tiene el mérito de ser la única artista que recopiló las expresiones culturales de los pueblos aborígenes de Canadá con la pasión que ningún otro ha realizado, sus apuntes y esbozos fueron recopilados en sus diarios y libros de arte y cuento, en sus años de artista madura consiguió brillar excepcionalmente como una de las mas grandes artistas de la plástica contemporanea y su mérito esta en la riqueza de color forma y  su genuíno estílo nos evóca la exuberancia de los bosques de British Columbia, el mar azul del Pacífico, las aldeas de aborígenes a la orilla de las costas y su ardiente amor a la naturaleza y el color, en su corta e intensa existencia nos dejó una numerosa galería de pinturas expresionistas finalmente antes de morir fue galardonada con el premio Governador General y nombrada tambien Doctora Honoris Causa en la Universidad de British Columbia.