El Fascinante Genio Matemático de M C Escher

 Maurits Cornelis Escher  más conocido como M C Escher  nació en Leeuwarden, Holanda , 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972 , artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación, por lo que los matemáticos se han interesado en su obra.

No fue precisamente un estudiante brillante, y sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas. Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.

Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera.

En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado "Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas.

Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino sólo las cosas que pasaban por su cabeza. En cierto modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.

Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos y amigo personal, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos

La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito 

La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

                                                

El Extraño Mundo de Joseph Cornell...

                                                                                            

Joseph Cornell nació en  Nyack  New York  el 24 de diciembre de 1903 – 29 de diciembre de 1972  fue un pintor y escultor estadounidense, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.

                                                     

Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro de ellas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.

Cornell podía crear poesía a partir de temas cotidianos. Sin embargo, a diferencia de Schwitters, él no estaba fascinado con lo descartado o basura, pero si por los fragmentos de objetos que una vez fueron hermosos y preciosos y que encontraba en sus frecuentes búsquedas por las librerías y tiendas de segunda mano de  New York. Sus cajas se basaban en la técnica surrealista de juxtaposición irracional y en las evocaciones a la nostalgia. Aunque Cornell admiraba las obras y técnicas de los surrealistas como Max Ernst y René Magritte, él nunca se consideró un surrealista.

A Cornell también lo cautivaban las aves y por esta razón creó los “Aviarios” a mediados de la década de 1940 y principios de 1950, en los cuales combinó imágenes muy coloridas de aves contra fondos blancos y fríos.

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Cornell estrenó  su primera  película en la Galería Julien Levy en diciembre de 1936 durante la primera exhibición Surrealista en el Museum of Modern Art en Nueva York.Salvador Dalí, que se encontraba en Nueva York participando de la apertura del MOMA, concurrió a su primera proyección. Durante la proyección, Dali se enojó mucho con la película de Cornell, diciendo que él había tenido la misma idea de combinar técnicas de collage collage para filmar. Luego de la proyección, Dali le hizo notar a Cornell que debería concentrase en fabricar ajas y en no realizar más películas. Traumatizado por este evento, Cornell que era de naturaleza tímida, practicamente no volvió a exhibir sus películas.

 

El arte de Cornell es melancólico, nostálgico, microcosmico, lleno  de poesía y mensages enigmáticos y sugerentes a la vez. Si bien es cierto que se le coloca entre los artistas surrealistas de la época, Cornell nuca tuvo el lado oscuro-existencial de los dadaistas. El por lo contrario mantuvo su estílo único sin sentirse identificado con la corriente en  boga. 

 

 

 Por último recordaremos a Joseph Cornell como el buscador de piezas de efímera creador del arte del ensamble y  Altered Art que esta ahora tan de moda...pareciera que Cornell nos enseña la poesía de las cosas olvidadas, los conceptos de su extraño mundo sacado de la realidad de las cosas  que nos rodean, su melancolía expresada en sus cajitas-recordatorios nos recrean el universo de sus fantasias y soledad...

El Realismo Mágico de René Magritte

 

 Renné Francois Ghislain Magritte  nacio el  21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel

En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico" cambia y  explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo.

Magritte nos hace ver mas allá de nuestros sentidos, juega con el plano y la ilusión, nos dá una clase de arte realista y a la vez onírico, ilógico y surreal Magritte juega con nosotros con nuestra percepción lógica de las cosas como si nos estuviera diciendo constantemente que el mundo no es exactamente lo que miramos...que el mundo es un juego de proyecciones dependiendo de que plano lo querramos mirar....

Martín Ramírez.....El Artista que Venció el Encierro

Ramírez nacido el 31 de marzo de 1895 en Tepatitlán, Jalisco,México emigró a los EE. UU  y se empleó como empleado ferroviario.Los últimos 33 años de su vida los pasó recluido en un hospital de enfermos mentales en el norte de California, donde realizó su producción pictórica. Martín Ramírez es uno pintores representante del arte marginal. Sus raíces profundamente mexicanas se encuentran constantemente en su pintura.

Ramírez dibujada en una sala que compartía con docenas de hombres, también confinados por  sus incapacidades mentales y fisicas y quizás porque eran indigentes, pobres y desempleados.

El espacio de trabajo de  Ramirez estaba en un rincón del pabellón. Guardaba sus dibujos bajo el colchón, para protegerlos. Sus herramientas artísticas se apilaban en una mesita de noche. Recluído en aquel espacio compartido con otros mas,  se embarcó en su aventura de artista autodidacta.

En 1933 se le diagnóstica demencia precoz en forma catatónica. A mediados de 1930, comienza a dibujar de forma habitual. En 1948 es trasladado al Hospital Estatal de DeWitt en Auburn, California, donde conoce a Tarmo Pasto, profesor de Psicología y Arte del Colegio Estatal de Sacramento, quien seguirá y apoyará su trabajo.

Todo lo que tenía a mano parecía servirle para realizar sus creaciones. Con un envoltorio de un caramelo, las páginas de un libro y una tarjeta de felicitación era capaz de crear sus particulares dibujos, a partir de la técnica de ensamblaje. Una papa, pan y saliva podían convertirse en un improvisado pegamento para ensamblar. Un palillo y un punzón podían ser suficientes para ir haciendo sus dibujos.

La obra pictórica de Ramírez tiene el valor de ser la expresión pura de un artista que busca contar sus mitos y revelar al mundo  la incomprensión social de la  que  fue  objeto.

Con lo poco que tenía a mano y con mucho de ingenio sus dibujos nos ofrecen su mundo interior de obsesiones  y paranoias tal vez...la imagen del tren es repetitiva como sugerencia del impacto que en El  hizo el   viaje en tren que hiciera a la frontera y lo que sería el comienzo de su aventura, desventura e  inesperado final..