El Grupo de los Siete...

El Grupo de los Siete , fue un grupo de pintores canadienses, en especial paisajistas, de la década de 1920, originalmente compuesto por Franklin Carmichael, Lawren Harris, A. Y. Jackson, Frank Johnston, Arthur Lismer, J. E. H. MacDonald y Federico Varley.

     

  

Tom Thomson  murió en 1917) y Emily Carr también estaban asociados al Grupo de los Siete, aunque ninguno de los dos llego a ser miembros oficial alguna vez. El Grupo de los Siete fue famoso por sus pinturas de paisajes canadienses. Fue seguida por el Grupo de ’’Pintores Canadienses ’’ en la década de 1930.

El Grupo de los Siete, estuvo fuertemente influenciado por el impresionismo Europeo de finales del siglo XIX del distrito Montmartre de Paris.

Tom Thomson, JEH MacDonald, Arthur Lismer, AJ (Alfred Joseph) Casson, Frederick Varley, Frank Johnston and Franklin Carmichael se conocieron siendo empleados de la empresa de diseño Grip Inc. de Toronto. En 1913, fueron llamados por A. Y. Jackson y Lawren Harris. A menudo, se reunían en Club de Artes y Letras de Toronto para discutir sus opiniones y compartir su trabajos.

El grupo recibió apoyo monetario de Harris (heredero de la fortuna de la fabrica de maquinas agrícolas Massey-Harris) y del Dr. James MacCallum.

Harris y MacCallum construyeron conjuntamente el Edificio Estudio de Toronto en el barranco “Roseadle”, para servir como punto de reunión y lugar de trabajo para el nuevo movimiento del arte canadiense.

Los siete miembros, que formaban el grupo original, volvieron a reunirse después de la guerra. Siguiendo su viaje a través de todo Ontario, especialmente en la región de la Municipalidad del Distrito Federal de Muskoka y el Distrito Federal de Algoma, dibujando el paisaje y desarrollando las técnicas de arte para representarlo correctamente.

En 1919 comenzaron a llamarse el “Grupo de los Siete”, y en 1920 estaban listos para su primera exposición. Antes de esto, muchos artistas creían que el paisaje canadiense era imposible de representar, o no lo suficientemente digno de ser pintado. Las valoraciones logradas en su primera aparición en la exposición de 1920 fueron mixtos, pero con el avance de la década el Grupo llegó a ser reconocidos como pioneros de una nueva Escuela de Arte en Canadá.

Los miembros del grupo empezaron a viajar a otros lugares de Canadá en busca de inspiración, incluyendo la Columbia Británica, Quebec, Nueva Escocia y el Ártico. Estos pintores fueron los primeros artistas de ascendencia europea, que representaron el Ártico. En 1926, A. J. Casson se unió al grupo que pronto llegaron a ser diez miembros, con las adiciones de Edwin Holgate y LeMoine Fitzgerald.

La influencia del grupo era tan generalizada a finales de 1931 que ya no consideró necesario continuar como un grupo de pintores. En su octava exposición en diciembre de ese año, se anunció que se había disuelto y que una nueva asociación de pintores se había formado, conocido como “Grupo Canadiense de Pintores”. El Grupo de Canadá celebró su primera exposición en 1933.

Una gran colección de trabajos del Grupo de los Siete se encuentran en la Colección de Arte canadiense McMichael de Kleinburg, Ontario. Esta galería contiene más de 6000 obras de arte del “Grupo de los Siete”, de Tom Thomson y sus contemporáneos, y las Primeras Naciones, los inuit y otros artistas que han hecho una contribución al patrimonio artístico de Canadá. La galería fue fundada por Robert y Signe McMichael, que comenzaron a coleccionar pinturas del “Grupo de los Siete” y sus contemporáneos, en 1955

 

Paul Cézanne...El Padre de la Pintura Moderna

Paul Cézanne nacio en Aix-en-Provence, Francia el19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906  fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.

En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. Cuando rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos. Reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pizarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Edouard Manet, que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos.

Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.

Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne.

La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.
Uno de los cuadros de su serie Los jugadores de cartas se convirtió en 2012 en la obra de arte vendida públicamente por más dinero, al comprarla la familia real quatarí por más de 250 millones de dólares.

oooooooooooooooooo

Andy Warhol... Estrella del Pop Art.

 

Andrew Warhola, nació en  Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987  más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del  Pop Art .Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los  reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción.   Al   margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido como baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.

Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los 50 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.

Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.

En  los años 60  empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.

El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las sofisticadas élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los 60 iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio.

Durante los años 60 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como las superstars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.

Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios- durante los 80, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un "artista de los negocios". En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los 70, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre "Genios Judíos " (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad. Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol "uno de los reflejos más brillantes de nuestra época", señalando que "Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta". Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood.

The unifying element in Warhol's work is his deadpan Keatonesque style – artistically and personally affectless. This was mirrored by Warhol's own demeanor, as he often played "dumb" to the media, and refused to explain his work. The artist was famous for having said that all you need to know about him and his works is already there, "Just look at the surface of my paintings and films and me, and there I am. There's nothing behind it...."

Arte Japones de la Post Guerra...Y la Nostalgica Belleza en los grabados de Ito Shinsui

Ito Shinsui, nació en Fukagawa, distrito de Tokio, el 4 Febrero 1898 – 8 Mayo 1972  este es el  seudonimo  de este pintor deNihonga( arte de pintar paisajes en grabado de madera) correspondiente al periodo Taisho y Showa, periodos muy conflictivos de la historia de Japón , el fue uno de los grandes exponentes de la llamada Shin-Hanga, movimiento artístico que revitalizo el arte después del advenimiento de la fotografía, en la década de los 20s su nombre verdadero fue Ito Hajime.

 

 

 

Después de muchos desfalcos económicos de su padre, Ito fue forzado a abandonar la escuela en el tercer grado, y se volvió un aprendiz en una imprenta local, de esta manera  se volvió interesado en aprender el arte del grabado en madera.

En el año de 1911, Ito fue aceptado como aprendiz bajo la tutela de Kaburagi Kiyokata,quien le dio el seudónimo de "Shinsui" mostrando gran talento el año siguiente sus trabajos fueron exhibidos en público.

Durante la Guerra del Pacífico, Ito pintaba propaganda a pedido del gobierno japonés,y después de la guerra se volvió uno de los artistas mas renombrados , siendo nombrado miembro de la Academia Japonesa de Arte, Ito ha sido numerosas veces  reproducido en las estampas filatelias  y nombrado Patrimonio Intangible del Arte Japones  (mukei bunkazai)equivalente a ser llamado "Tesoro Nacional".

Otros artistas de la misma escuela de arte Shin Hanga: 

 Ukiyo-e: Edo, Ukiyo-e: Osaka, Sosaku Hanga, Shin Hanga, Kindai Hanga.