Ito Shinsui, nació en Fukagawa, distrito de Tokio, el 4 Febrero 1898 – 8 Mayo 1972 este es el seudonimo de este pintor deNihonga( arte de pintar paisajes en grabado de madera) correspondiente al periodo Taisho y Showa, periodos muy conflictivos de la historia de Japón , el fue uno de los grandes exponentes de la llamada Shin-Hanga, movimiento artístico que revitalizo el arte después del advenimiento de la fotografía, en la década de los 20s su nombre verdadero fue Ito Hajime.
Después de muchos desfalcos económicos de su padre, Ito fue forzado a abandonar la escuela en el tercer grado, y se volvió un aprendiz en una imprenta local, de esta manera se volvió interesado en aprender el arte del grabado en madera.
En el año de 1911, Ito fue aceptado como aprendiz bajo la tutela de Kaburagi Kiyokata,quien le dio el seudónimo de "Shinsui" mostrando gran talento el año siguiente sus trabajos fueron exhibidos en público.
Durante la Guerra del Pacífico, Ito pintaba propaganda a pedido del gobierno japonés,y después de la guerra se volvió uno de los artistas mas renombrados , siendo nombrado miembro de la Academia Japonesa de Arte, Ito ha sido numerosas veces reproducido en las estampas filatelias y nombrado Patrimonio Intangible del Arte Japones (mukei bunkazai)equivalente a ser llamado "Tesoro Nacional".
Otros artistas de la misma escuela de arte Shin Hanga:
Ukiyo-e: Edo, Ukiyo-e: Osaka, Sosaku Hanga, Shin Hanga, Kindai Hanga.
Raoul Dufy nació en Le Havre, 3 de junio de 1877 - cerca de Forcalquier, 23 de marzo de 1953 fue un pintor fauvista, artista gráfico y diseñador textil francés. Desarrolló un estilo colorido y decorativo que se hizo popular en diseños para cerámica, telas y esquemas decorativos de edificios públicos. Destaca por sus escenas de acontecimientos sociales al aire libre.
Dejó la escuela a los catorce años para trabajar en una compañía importadora de café. En 1895, cuando tenía dieciocho años, comenzó a recibir clases de arte por la tarde en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Él y Othon Friesz, un amigo de la escuela, estudiaron las obras de Eugène Boudin en el museo de Le Havre
En 1900,
después de un año de servicio militar, Raoul obtuvo una beca que le
permitió estudiar durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes
de París, donde fue compañero de Georges Braque.
En un principio Dufy estuvo sometido a la influencia de los paisajistas impresionistas, como Claude Monet y Camille Pissarro.
En 1902 conoció a Berthe Weill, quien expuso la obra de Dufy en su galería. La obra de Henri Matisse Luxe, Calme et Volupté (Lujo, calma y voluptuosidad), que Dufy vio en el Salon des Indépendants en 1905, fue una revelación para el joven artista, quien dirigió su interés hacia el Fauvismo. Los fauves que significa «fieras», «bestias salvajes» trabajaban con colores
llamativos e irreales y atrevidas formas; ricos contornos marcaban su
obra. Dufy adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y
espontáneo
La pintura de Dufy refleja este enfoque hasta alrededor de 1909, cuando el contacto con la obra de Paul Cézanne le lleva a adoptar una técnica algo más sutil. No fue hasta el año 1920, después de haber hecho sus ensayos con otro estilo, el cubismo,
cuando Dufy desarrolló su propio enfoque distintivo que implicaba
estructuras esqueléticas, colocadas en una perspectiva disminuida, y el
uso de baños ligeros de color dispuestos mediante veloces pinceladas de
una manera que llegó a conocerse como taquigráfica.
Poco a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando
un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más
evidentes en sus acuarelas.
Los temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, con brillantes vistas de la Riviera francesa;
fiestas elegantes, acontecimientos musicales, las carreras de caballos y
otras actividades al aire libre en lugares de moda, como Carreras de caballos en Deauville (1931, Colección particular, París), L'Opéra (Phillips Collection, Washington). También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos.
La naturaleza ilustrativa y decorativa, optimista y a la moda, de
gran parte de su obra, ha hecho que su producción sea valorada menos por
la crítica que la de aquellos otros artistas que tratan un tema más
amplio de asuntos sociales.
Dufy también cobró fama por su obra gráfica y en las artes aplicadas. Destacan sus ilustraciones para El bestiario (1911) de Guillaume Apollinaire. Ilustró también obras de Stéphane Mallarmé y André Gide.
Cambió la cara de la moda y el diseño de telas con su obra para Paul Poiret. En 1909, Raoul Dufy recibió el encargo de Poiret de que diseñara ropa para el hogar, y también modelos textiles para la ropa de Poiret. También realizó xilografías y produjo un número prodigioso de tapices y diseños de cerámica.
Dufy murió cerca de Forcalquier, Francia, el 23 de marzo de 1953, y fue enterrado no lejos de Matisse en el cementerio monacal de Cimiez, un suburbio de la ciudad de Niza, Francia.
Helen Frankenthaler, nació en Nueva York, 12 de diciembre de 1928 - Darien, Connecticut, 27 de diciembre de 2011 fue una pintora expresionista abstracta estadounidense. Recibió la influencia de la obra de Jackson Pollock y de Clement Greenberg
con quien también se vio involucrada en el Movimiento de Arte Abstracto
de 1946-1960. Era la hija menor de un magistrado del tribunal supremo
del estado de Nueva York. Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. Más tarde se casó con el también pintor Robert Motherwell.
Su carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición de «Montañas y mar» . Este cuadro es de gran tamaño (7 por 10 pies) y tiene el efecto de una acuarela, aunque está pintada con óleo.
En él, introduce la técnica de pintar directamente en un lienzo sin
preparar de manera que el material absorbe los colores. Diluía mucho la
pintura al óleo con trementina o queroseno de manera que el color empapase el lienzo. Esta técnica, conocida como (mancha de empapado) fue adoptada por otros artistas, destacada mente, Morris Louis y Kenneth Noland, y lanzó a la segunda generación de la escuela de pintura de campos de color. Este método dejaba al lienzo con un efecto de halo alrededor de cada área en la que la pintura se aplicaba.
Sus primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con
posterioridad a 1951 desarrollo un estilo propio. Inspirada en Jackson
Pollock, creador de la técnica del dripping, que consiste en salpicar
pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizo pintura muy diluida para
empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diáfanos
de colores suaves. Sus obras contienen manifiestas evocaciones de
paisaje.
En la década de 1960 comenzó a dejar grandes zonas del lienzo vacías en
muchos de sus cuadros, para permitir (según sus propias palabras) que la
obra respirara.
En 1962 comenzó a utilizar el acrílico, que resulta mas brillante y
menos denso que el oleo, y en consecuencia el colorido de sus telas se
fue haciendo mas fuerte.
En 1975 hizo una serie de pinturas en cerámica de delicados tonos.
Frankenthaler ha tenido una importante influencia en artistas coloristas estadounidenses como Morris Louis y Kenneth Noland.
En 1999, fue ganadora del premio Jerusalén de las Artes y las Letras,
proporcionado por la Academia Nacional de Arte y Diseño de Israel
Aunque los críticos no siempre recibieron la pintura de Helen Frankenthaler con simpatía y unanimidad, por considerar sus colores muy suaves, o muy tenues y que su pintura padecía de tener "mucha poesía" ella siempre supo avalar su obra y defenderla al expresar la complejidad de la naturaleza humana...
Grace Hartigan nacio en Newark, New Jersey el 28 de marzo de 1922 - 15 de noviembre de 2008) fue una pintora del Expresionismo abstracto de la Escuela de NY. Ganó su reputación como parte de la Escuela de Nueva York de artistas y pintores que emergieron en la ciudad de Nueva York
durante los años cuarenta y cincuenta del siglo XX. Era una
participante vivaz en el vibrante ambiente artístico y literario de la
época, y entre sus amigos estuvieron Jackson Pollock, Larry Rivers, Helen Frankenthaler, Willem
y Elaine de Kooning, Frank O'Hara, y muchos otros pintores, artistas,
poetas y escritores. Fue la única mujer artista en la legendaria
exposición «La nueva pintura estadounidense» que recorrió Europa a finales de los años 1950.
Hartigan fue una autodidacta que ante la falta de medios para pagarse unos
estudios se casó a los 19 años y comenzó una vida aventurera que no pasó
de California, donde su marido la animó a pintar. "Yo no escogí la
pintura. Ella me escogió", aseguraría años más tarde. Si sus primeras
obras las firmó como si fuera un hombre, utilizando el nombre de George
Hartigan y emulando a novelistas famosas como George Eliot y George
Sand, tanto la revista Time como la revista Life
recordarían su nombre como el de "una de las jóvenes pintoras
estadounidenses más reconocidas" cuyos brochazos eran fruto "de un poder
extraordinario".
Grace Hartigan. era tan conocida por una obra intensamente
colorista y llevada por la pasión como por esas otras imágenes que
incorporó influida por el cine, la publicidad, otras pinturas o incluso
libros de colorear y que la hicieron pionera de ese otro movimiento que
años más tarde fundaría Andy Warhol llamado pop.
Grace Hartigan era una estrella que brillaba con luz propia y alguna vez dijo a cerca del ser llamada la precursora del Arte Pop:" El arte pop no es pintura porque le falta contenido y emoción, esencial
en un cuadro", despreció la artista en una ocasión, aunque años más
tarde aceptaría este reconocimiento dual a su obra asegurando que
prefería ser "pionera" de un movimiento que odiaba, que "segunda
generación" de uno que adoraba, como era la pintura abstracta. Amiga y
discípula de Jackson Pollock y de Willem de Kooning.
