domingo, 3 de febrero de 2013

La Naturaleza en el arte de Giuseppe Penone...






Giuseppe Penone (Garessio, 3 de abril de 1947) es un artista y escultor italiano, exponente del arte povera, vive y trabaja en Turín.










A finales de los años sesenta, se acerca a las posiciones de Land Art y el arte povera. La primera exposición individual en 1968 en el depósito de Arte Actual de Turín. Sus instalaciones y sus objetos están hechos de materiales tomados de la clase en donde los procesos de transformación están involucrados en la formación de la obra (agua y del tiempo). Desde 1969, el número de árboles en gran medida los procesos de recogida en la instalación Repetir el bosque presentada en 1980 en el Museo Stedelijk de Amsterdam. Desde 1970, el artista llama la atención sobre el cuerpo en obras como Vuelve tus ojos, realización de nuestra piel y el número de los párpados y Puffs (1978). En el mismo período, trabajó con patatas y calabazas que predetermina el desarrollo formal. Desde 1981, la superioridad de la naturaleza humana de la creación de la forma, es el tema de la serie Ser río. Forma humana y crecimiento de las plantas se adaptan incluso en gestos planta en 1983. En los años 1972, 1982 y 1987 participó en la Documenta de Kassel en 1978 y 1980 en la Bienal de Venecia. En 1984 se le dio una retrospectiva ARC Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, con obras desde 1977 a 1984.
















































































En 2001 ganó el "Rolf Schock - Precio". En 2004, protagonizó una gran retrospectiva en el Centro Pompidou de París. En 2006, como profesor en la École nationale supérieure des beaux-arts en París, llevó a sus estudiantes en el desarrollo de sitios específicos obras de arte en Italia, en el marco del evento 20eventi - Arte Contemporáneo de Sabina. 
En el otoño de 2008, expuso en el Mambo de Bolonia.





















 



















 

lunes, 7 de enero de 2013

Francesco Clemente y el Arte como Expresión Espiritual












Francesco Clemente nació en Nápoles el 23 de marzo de 1952, en el seno de una familia de origen aristocrático. Allí pasó su infancia y adolescencia. Estudió allí bachillerato, interesándose Clemente por el latín, el griego, la filosofía y la literatura italiana. Tras diplomarse en la escuela media superior, comienza a dedicarse a la pintura y la poesía de forma autodidacta. En 1968 conoció a Cy Twombly en Roma; su obra, lo mismo que la de Alighiero Boetti, le influiría grandemente en sus inicios. En 1970 se traslada a Roma para inscribirse en la Facultad de Arquitectura, pero pronto abandonó los estudios de arquitectura para dedicarse a la pintura y el dibujo.



















En 1971 realiza su primera exposición de collages en la Galería de Valle Giulia de Roma. Realizó en los años setenta una serie de viajes que le sirvieron de gran inspiración, tanto artística como espiritual. En 1972 siguió a Boetti a Afganistán, donde produjo una serie de pasteles. Pero fueron sobre todo sus viajes a la India los que influirían en su obra. En Madrás abrió un estudio.




























En 1979 se acerca a la Transvanguardia italiana, del que es uno de los máximos exponentes junto a Enzo Cucchi, Sandro Chia, Horacio Cordero, Nicola De Maria y Mimmo Paladino, con los cuales realiza una exposición en Colonia. Se convierte en uno de los jefes de filas del «regreso a la figuración». De 1980 es su primera exposición en solitario en la galería Sperone Westwater.
A partir de los años ochenta comienza a tener gran éxito internacional. Realiza entonces una serie de cuadros inspirados en las estaciones del Vía Crucis, produce numerosos libros, una recopilación de fotografías de arquitectura y un grupo de miniaturas pintadas con la colaboración de artistas hindúes de Madrás.
 































Viajó a Nueva York por vez primera en 1980 y, dos años más tarde, casado y padre de familia, se instaló allí y abrió un estudio. En 1982 realiza su primera gran pintura al fresco, los murales de la piscina del dr. Huvert Burda. Ese mismo año participó en documenta 7 de Kassel. En 1984 hace una serie de trabajos en conjunto con Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat. En 1985 realizó los frescos de la discoteca Palladium, en Nueva York. Fue quien realizo varias de las obras que aparecen en la pelicula Great Expectations, basada en la novela del mismo nombre.
Actualmente, Francesco Clemente vive y trabaja en Nueva York, Roma y Madrás.
































Sus obras iniciales romanas se caracterizan por ser intensamente subjetivas, ligadas al cuerpo (el suyo, el de las mujeres), deformados, mutilados, así como a la sexualidad; estaban realizadas con una rica paleta de colores. Posteriormente se inspiró en el arte y en el folclore de la India, especialmente notable en cuanto al número de sus trabajos y los materiales utilizados. Trabajó en sucesivas ocasiones en colaboración con artistas hindúes.
Cuando se instaló en Nueva York en los años ochenta produjo la mayor parte de las pinturas al óleo, con connotaciones violentas, expresionistas y casi místicas. Los cuadros de Clemente combinan la abstracción con algunas formas figurativas.











































El arte de Francesco Clemente es inclusive  y nómada, cruzando muchas fronteras, intelectuales y geográficas. Dividiendo su tiempo entre Nueva York y Varanasi, en India, ha adoptado para sus pinturas una gran variedad de soportes y medios, explorando, desechando, y volviendo a la pintura al óleo, acuarela, pastel y grabado. Su trabajo se desarrolla en un modo no lineal, expandiéndose y contrayéndose de manera fragmentaria, no se define por un estilo, sino más bien por su grabación de las fluctuaciones del yo, como él lo experimenta. El objetivo es adoptar una conciencia expandida, y ser testigo, en broma, la supervivencia de la experiencia extática en una sociedad materialista.










































En los años noventa la obra de Francesco Clemente se expuso en el en la Royal Academy de Londres, en el Centro Pompidou de París así como en el Museo de Sezon, Tokio. En 1999-2000, la obra de Francesco Clemente se ha presentado en una gran retrospectiva en el museo Salomon R. Guggenheim, en la que se expusieron las famosas colaboraciones de los años ochenta.

 


























lunes, 3 de diciembre de 2012

Pintura Gestual de Willem de Kooning...









Willem de Kooning (Róterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

























En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.
Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.
 


























Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.

























En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.
En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943. También ella fue una artista significativa.



























Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los años cuarenta. Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.





























Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.
El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue premiado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.


























En los años ochenta de Kooning fue diagnosticado de Alzheimer, y un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby Pink Lady (1944) alcanzó los tres millones seiscientos mil dólares en 1987 y nterchange (1955) veinte millones seiscientos mil en 1989.