lunes, 3 de diciembre de 2012

Pintura Gestual de Willem de Kooning...









Willem de Kooning (Róterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

























En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.
Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.
 


























Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.

























En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.
En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943. También ella fue una artista significativa.



























Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los años cuarenta. Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.





























Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.
El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue premiado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.


























En los años ochenta de Kooning fue diagnosticado de Alzheimer, y un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby Pink Lady (1944) alcanzó los tres millones seiscientos mil dólares en 1987 y nterchange (1955) veinte millones seiscientos mil en 1989.










lunes, 5 de noviembre de 2012

Arte y Controversia en la Obra de Egon Schiele






Egon Schiele,  Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.
Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.



























Su padre era jefe de estación y procedía del norte de Alemania; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.




































 En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.























En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.
En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).
Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.























Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en die Aktion.
Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Durante el breve lapso de tiempo que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran su última obra. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.



































Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.
El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.
Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbre.














































lunes, 15 de octubre de 2012

Suzanne Valadon la Amante, Artista y Modelo de Montmartre...






Suzanne Valadon  cuyo verdadero nombre era Marie-Clémentine Valade, nacida el 23 de septiembre de 1867 en Bessines-sur-Gartempe (Haute-Vienne) y fallecida el 7 de abril 1938 en París, era una pintora francesa.



























Hija de una lavandera no casada, Suzanne Valadon se hizo acróbata con 16 años hasta que una caída puso fin a esta actividad. Se estableció con su madre y más tarde con su hijo, el que sería más tarde el famoso pintor Maurice Utrillo en el barrio de Montmartre, donde tuvo la posibilidad de iniciarse como artista.
Su belleza atraía a muchos artistas de los que fue modelo y de los que aprendió técnicas pictóricas posando. Fue modelo de Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir y Pierre Puvis de Chavannes, y mantuvo relaciones con algunos. Asidua a los bares de mala reputación de Montmarte donde la burguesía parisina acudía a encanallarse, Toulouse-Lautrec hizo de ella un motivo de retrato recurrente : La Buveuse (La Bebedora).
























Degas se fijó en las líneas vivas de sus dibujos y pinturas y la animó a continuar pintando. Conoció el éxito en vida y pudo salir a flote a pesar de las dificultades económicas de su juventud y sacar a su hijo adelante, al que llamó Maurice Valadon pero al que luego cambió el apellido al ser reconocido y adoptado por uno de los amigos de su madre:  Miguel Utrillo pintor español.




















Suzanne Valadon pintó naturalezas muertas, ramos y paisajes admirados por la fuerza de su composición y colores vibrantes. También es conocida por sus desnudos. Sus primeras exposiciones a comienzos de los 1890, se componían principalmente de retratos, uno de ellos de Erik Satie con quien mantuvo una relación en 1893 y quien le propuso matrimonio la mañana tras su primera noche. Fue la única relación íntima de él, para quien lo demás era « rien à part une froide solitude qui remplit la têtese avec du vide et le cœur avec de la peine » (nada aparte de una fría soledad que llenaba la cabeza de vacío y el corazón de pena). En 1894, Suzanne Valadon fue la primera mujer que administraba la Société Nationale des Beaux-Arts. Perfeccionista, se podía pasar años trabajando en sus cuadros antes de exponerlos.



















De espíritu libre y caprichosa hasta la extravagancia, se le conocía por llevar consigo un manojo de zanahorias y tener una cabra para que « se comiera sus malos dibujos » en un estudio donde alimentaba a sus gatos con caviar los viernes.
Se casó en 1896 con un agente de cambio y bolsa de que se separó en 1909. Suzanne, de 44 años, dejó a su marido por un pintor de 23, André Utter, al que desposó en 1914. Esta tumultuosa unión debió de durar unos treinta años. Uno de sus lienzos más conocidos es el de Adam et Ève, donde André es Adán y ella Eva.


















Suzanne Valadon murió el 7 de abril de 1938, rodeada de sus amigos pintores André Derain, Pablo Picasso y Georges Braque, y fue enterrada en el Cimetière de Saint-Ouen.
Sus obras se exponen en el Centro Georges-Pompidou de París y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.