El Extraño Mundo de Joseph Cornell...

                                                                                            

Joseph Cornell nació en  Nyack  New York  el 24 de diciembre de 1903 – 29 de diciembre de 1972  fue un pintor y escultor estadounidense, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.

                                                     

Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro de ellas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.

Cornell podía crear poesía a partir de temas cotidianos. Sin embargo, a diferencia de Schwitters, él no estaba fascinado con lo descartado o basura, pero si por los fragmentos de objetos que una vez fueron hermosos y preciosos y que encontraba en sus frecuentes búsquedas por las librerías y tiendas de segunda mano de  New York. Sus cajas se basaban en la técnica surrealista de juxtaposición irracional y en las evocaciones a la nostalgia. Aunque Cornell admiraba las obras y técnicas de los surrealistas como Max Ernst y René Magritte, él nunca se consideró un surrealista.

A Cornell también lo cautivaban las aves y por esta razón creó los “Aviarios” a mediados de la década de 1940 y principios de 1950, en los cuales combinó imágenes muy coloridas de aves contra fondos blancos y fríos.

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Cornell estrenó  su primera  película en la Galería Julien Levy en diciembre de 1936 durante la primera exhibición Surrealista en el Museum of Modern Art en Nueva York.Salvador Dalí, que se encontraba en Nueva York participando de la apertura del MOMA, concurrió a su primera proyección. Durante la proyección, Dali se enojó mucho con la película de Cornell, diciendo que él había tenido la misma idea de combinar técnicas de collage collage para filmar. Luego de la proyección, Dali le hizo notar a Cornell que debería concentrase en fabricar ajas y en no realizar más películas. Traumatizado por este evento, Cornell que era de naturaleza tímida, practicamente no volvió a exhibir sus películas.

 

El arte de Cornell es melancólico, nostálgico, microcosmico, lleno  de poesía y mensages enigmáticos y sugerentes a la vez. Si bien es cierto que se le coloca entre los artistas surrealistas de la época, Cornell nuca tuvo el lado oscuro-existencial de los dadaistas. El por lo contrario mantuvo su estílo único sin sentirse identificado con la corriente en  boga. 

 

 

 Por último recordaremos a Joseph Cornell como el buscador de piezas de efímera creador del arte del ensamble y  Altered Art que esta ahora tan de moda...pareciera que Cornell nos enseña la poesía de las cosas olvidadas, los conceptos de su extraño mundo sacado de la realidad de las cosas  que nos rodean, su melancolía expresada en sus cajitas-recordatorios nos recrean el universo de sus fantasias y soledad...

El Realismo Mágico de René Magritte

 

 Renné Francois Ghislain Magritte  nacio el  21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel

En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico" cambia y  explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo.

Magritte nos hace ver mas allá de nuestros sentidos, juega con el plano y la ilusión, nos dá una clase de arte realista y a la vez onírico, ilógico y surreal Magritte juega con nosotros con nuestra percepción lógica de las cosas como si nos estuviera diciendo constantemente que el mundo no es exactamente lo que miramos...que el mundo es un juego de proyecciones dependiendo de que plano lo querramos mirar....

Martín Ramírez.....El Artista que Venció el Encierro

Ramírez nacido el 31 de marzo de 1895 en Tepatitlán, Jalisco,México emigró a los EE. UU  y se empleó como empleado ferroviario.Los últimos 33 años de su vida los pasó recluido en un hospital de enfermos mentales en el norte de California, donde realizó su producción pictórica. Martín Ramírez es uno pintores representante del arte marginal. Sus raíces profundamente mexicanas se encuentran constantemente en su pintura.

Ramírez dibujada en una sala que compartía con docenas de hombres, también confinados por  sus incapacidades mentales y fisicas y quizás porque eran indigentes, pobres y desempleados.

El espacio de trabajo de  Ramirez estaba en un rincón del pabellón. Guardaba sus dibujos bajo el colchón, para protegerlos. Sus herramientas artísticas se apilaban en una mesita de noche. Recluído en aquel espacio compartido con otros mas,  se embarcó en su aventura de artista autodidacta.

En 1933 se le diagnóstica demencia precoz en forma catatónica. A mediados de 1930, comienza a dibujar de forma habitual. En 1948 es trasladado al Hospital Estatal de DeWitt en Auburn, California, donde conoce a Tarmo Pasto, profesor de Psicología y Arte del Colegio Estatal de Sacramento, quien seguirá y apoyará su trabajo.

Todo lo que tenía a mano parecía servirle para realizar sus creaciones. Con un envoltorio de un caramelo, las páginas de un libro y una tarjeta de felicitación era capaz de crear sus particulares dibujos, a partir de la técnica de ensamblaje. Una papa, pan y saliva podían convertirse en un improvisado pegamento para ensamblar. Un palillo y un punzón podían ser suficientes para ir haciendo sus dibujos.

La obra pictórica de Ramírez tiene el valor de ser la expresión pura de un artista que busca contar sus mitos y revelar al mundo  la incomprensión social de la  que  fue  objeto.

Con lo poco que tenía a mano y con mucho de ingenio sus dibujos nos ofrecen su mundo interior de obsesiones  y paranoias tal vez...la imagen del tren es repetitiva como sugerencia del impacto que en El  hizo el   viaje en tren que hiciera a la frontera y lo que sería el comienzo de su aventura, desventura e  inesperado final..

Marc Chagall Pintor de Sueños...

Mark Zajárovich Shagal Vitebsk  nació el  7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence  Francia, 28 de marzo de 1985 fue un pintor francés de origen bielorruso.

Chagall  fue  participante activo en la Revolución rusa de 1917. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte para la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte.
Sin embargo, no se desempeñó bien dentro del sistema soviético y por esta razón se muda a Moscú en  y luego a París en 1923.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno.

Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte donde estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Luego de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vitebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y el siguiente año tienen una hija a la que llamaron Ida.

En el tiempo de la ocupación  de  Francia por los nazis, Chagall tuvo que huir  a los Estados Unidos,tiempo en que pierde a su esposa  y publica una carta escrita saludando la liberación de Francia y la resurrección de la libertad en el arte, a pesar que siempre estimó América y los americanos Chagall regresó a  la Cote d'Azur  donde tenía grandes amigos y a insistencia de su hija, se casó con Valentina (Vava) Brodsky una mujer rusa de orígen judio como el, pero convertida al cristianismo, quien influenciaría en su obra en cierta manera, la relación aunque conflictiva duró 6 años, tiempo en el que Chagall trabajó en vitrales  en la catedral de Metz, e igualmente algunas comisiones  en el  Hebrew University's Hadassah Medical Center de Jerusalem.

En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes,  pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.

En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta de un artista, que ofrece el significado de la vida y el arte es el color del amor.....

Sólo me interesa el amor, y estoy solo en  contacto con las cosas que giran en torno del amor.

Finalmente podemos apreciar que Chagall a lo largo de su vida fue un artista que nunca comprometio su libertad y su arte, nos dejó hermosos vitrales en  Catedrales, el techo de la Opera de París, diversos trabajos en cerámica, y sobre todo sus oníricas pinturas de amantes flotando en el aire del enamoramiento  y como el solía decir...Sólo me interesa el amor y estoy solo en el contacto con las cosas que giran en torno del amor. 

Marc Chagall vivió hasta  la edad de 98 años despues de haber pasado toda su vida en  el exilio, el se consideró siempre  un ciudadano del mundo....

El Estilo Lúdico de Joan Miró

Joan Miro nació en Barcelona el 30 de Abril 1893 - Mallorca 25 de Diciembre 1983 pintor, escultor, grabador y ceramista, considerado uno de los maximos representantes del movimiento surrealista, aunque  en sus comienzos tuvo una tendencia al  fauvismo, su  estilo libre , onírico y lúdico lo colocan como surrealista, Miró declinaba comprometerce con el movimiento.

La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia con las tendencias francesas, postimpresionismo, fauvismo y cubismo.

Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico . La otra gran influencia de la época vendría de la mano de Paul Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes  de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.

 Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.

Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se  realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.

Una de las pinturas más interesantes de este periodo es Carnaval de Arlequín (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.

Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista.

Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista , el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por "transformar el mundo" por medio de la política o el "cambiar la vida" de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo. Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:

A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa , donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro, en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer y con colores primarios.