La Expresión Abstracta de Mark Rothko..

Marcus Rothkowitz Daugavpils, Letonia , 25 de Septiembre de 1903 - New York 25 de Febrero de 1970, conocido como Mark Rothko fue pintor y grabador asociado al Movimiento Contemporaneo del Expresionismo  Abstracto. En 1925 inició su carrera como pintor expresándose más como surrealista, sus estílos cambiaron dramáticamente y hacia 1947 sus cuadros eran concepciones expresionistas que consistian en grandes superficies  de rectángulos con tonalidades negras, marrones,violetas y rojos,sus grandes dimenciones tenían la intención de hacer al espectador participe  de su experiencia místico-religiosa, probablemente consecuencia de su educación judio-ortodoxa.

Hijo de judios imigrantes Rothko creció en Portland Oregon  a pesar de su inclinación al arte (tocaba piano y mandolina tambien escribía poesía) Rothko no tuvo una formación formal en arte, al principio  prefirió carreras como la de abogado o ingeniero y aunque abandonó sus primeros años de estudios, continuó tomando clases en filosofía, economía y física. Sólo cuando se mudó a New York es que tomó más seriamente su formación en arte, de  la que se refirió diciendo... 

"Entonces un día resultó que presencié una clase de arte, con el motivo de encontrarme con un amigo que estaba asistiendo al curso. Todos los estudiantes estaban realizando un bosquejo de una modelo desnuda, y en ese momento decidí que esa era la vida para mí."

Entre sus tempranas influencias estan la pintura de Paul Klee y Max Weber, la mudanza a New York fue benéfica y fértil. En esta época conoció a Adolph Gottlieb, quien conjuntamente con Barnett Newman, Joseph Solman y John Graham eran parte de un grupo de jóvenes artistas seguidores del pintor Milton Avery, con quienes discutia  arte y a la vez afianzaba sus estudios de color y forma. En aquel  tiempo  hace su primera muestra en la Contemporary Art Gallery.

Se piensa que Rothko fue traumatizado por  presenciar la  ejecución de judios por parte de los cosacos algo que en una ocasión se refiró como... Rothko creía que el color actuaba directamente sobre el alma y era susceptible de producir emociones profundas en el espectador.

«Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques, y les hicieron cavar una fosa común...Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre había ocurrido durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba, y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica».

Un episodio depresivo, posiblemente con influencias de antidepresivos y adicción profunda al alcohol llevó a Rothko al suicidio. Ciertas fuentes señalan que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra, siendo esta última de tonos más oscuros que podrían introducir el trágico final del autor.

A pesar que Mark Rothko no se consideraba un artista Abstracto, su trabajo y su legado artístico tiene el valor de haber sido el uno de los más grandes exponentes de la Vanguardia de Arte Americano, su profundo misticismo, su emocional acercamiento a la vida y a su arte hacen de Mark Rothko uno de los pioneros del Modernismo, su concepto de abstración traspasó los límites de la forma valiendose del color como pura manifestación de la emoción humana
Por último otro legado importante  de Mark Rotko son sus Escritos Sobre Arte..
"Creo que el problema no está en ser abstracto o figurativo. Lo que hay que hacer es ponerle fin a ese silencio y a esa soledad, respirar y extender los brazos de nuevo"

 “Soy consciente de que pintar cuadros tan grandes es grandilocuente y pomposo. Pero pinto así precisamente porque quiero ser íntimo y humano. Si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. Y el espectador también se siente dentro del cuadro”

"Quizás haya notado que en mis cuadros existen dos características: o bien se trata de superficies expansivas que se dilatan hacia el exterior en todas direcciones, o bien de superficies que se contraen y retraen hacia el interior en todas direcciones. Entre estos dos polos encontrará todo lo que tengo que decir"

El Expresionismo en la Obra de Emily Carr...

Emily Carr nacida el 13 de Diciembre de 1871 al 2 de Marzo de 1945 en Victoria Canada, considerada como el más prominente "Icono Canadiense" se le conoce por ser una  de las artistas que más captó el espíritu de Canadá  en un estilo moderno, su pintura expresa la voluptosidad de los bosques del interior de British Columbia y la iconografía de los Totems Nativos , expresión de las comunidades indigenas  de la costa del Pacífico.

Nacida en el seno de una familia  presbiteriana, la cuestión espiritual no fue muy ajena a su educación y formación como ser humano, Emily Carr inició sus primeros estudios en  el San Francisco Art Institut, de cuyo regreso  hizo una serie de esbozos  sobre los paisages  rurales de la Costa del Pacífico muy especialmente en las comunidades  aborígenes de los pueblos "Nootka".

Al siguiente año Emily Carr  viajó a Londón a estudiar en el Westmister Art School, luego  en París cursó estudios en Academie Calarosi, a donde entró en contacto con pintores modernistas, post impresionistas y fauvistas de la época que influenciaron su estilo marcadamente,  a su regreso a Norteamerica Emily viajó con sus hermanas a Alaska y volvió impresionada por  los colores de la Costa Oeste y produjo  la mayoría de sus obras que fueron una recopilación de "Totems Poles" que se guardan como testimonio cultural de las poblaciones indigenas de la zona  de Queen Charlote Island, Haida, Gitxan, Tsimshian, Cumshewa, trabajos que producia a lo largo de sus viajes entre la espesura de los bosques..

Con el tiempo la obra de Emily Carr atrajo la atención de prominentes funcionarios del Museo Nacional de Ottawa y recibió la invitación de exponer sus obras en The National Gallery ocasión  que le permitio entrar  en contacto con  el Group of Seven,  una agrupación de pintores modernos paisajistas muy renombrados  que influenciaron  en su trabajo posterior, acabando asi  el aislamiento en el que se mantuvo por mas de 15 años, tiempo en que tambien se afianza su afiliación al movimiento Teosófico de la época dando a su arte un sentido mas espiritual.

Emily Carr tiene el mérito de ser la única artista que recopiló las expresiones culturales de los pueblos aborígenes de Canadá con la pasión que ningún otro ha realizado, sus apuntes y esbozos fueron recopilados en sus diarios y libros de arte y cuento, en sus años de artista madura consiguió brillar excepcionalmente como una de las mas grandes artistas de la plástica contemporanea y su mérito esta en la riqueza de color forma y  su genuíno estílo nos evóca la exuberancia de los bosques de British Columbia, el mar azul del Pacífico, las aldeas de aborígenes a la orilla de las costas y su ardiente amor a la naturaleza y el color, en su corta e intensa existencia nos dejó una numerosa galería de pinturas expresionistas finalmente antes de morir fue galardonada con el premio Governador General y nombrada tambien Doctora Honoris Causa en la Universidad de British Columbia.

  

El dolor en el arte de Frida Kahlo...

 Frida Kahlo nace en Coayacán México el 6 de Julio  de 1907-13 de Julio de 1954 hija de un fotógrafo  judío húngaro y madre mexicana de origen español, su vida se vió  marcada por la  poliomilítis que contrajo a temprana edad, a la que siguieron una serie de accidentes , enfermedades y sufrimientos que marcarían su vida y su carrera como pintora.

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.

Aunque se podría decir que Frida Kahlo fue una artista autodidacta, se tendrá que anotar que tomó algunos cursos de arte en la especialidad de grabado pero dado a su condición física tuvo que abandonarlos luego del accidente de tranvia que sufriera a los 19 años, sus primeras incursiones en arte fueron retratos, influenciada por los retratistas mexicanos del siglo XIX sus retratos y autoretratos tenían la característica de llevar una banderita con un leyenda donde escribía la razón y para quién estaba dirigida la obra..

 En 1922 Frida  Kahlo conoció a Diego de Rivera  pintor muralista bastante mayor que ella y este encuentro marcaría  su  destino como mujer y como artista, fue Diego de Rivera quien la alento a seguir pintando luego de observar uno de sus autoretratos y afirmar que tenía talento...contraerían matrimonio tiempo después,  transformandose en una de las más legendarias parejas en el mundo del arte y la política de aquella época.

Aunque el estilo y trabajo de sus pinturas se pueden catalogar como surrealistas, Frida no las consideraba así diciendo...Pinto autoretratos porque estoy mucho tiempo sola y lo único que conozco bien es a mi misma.

El diario de 170 páginas que abarca el periodo de 1944-1954, recoge los pensamientos, poemas y sueños de Frida, al mismo tiempo manifiesta su dolor físico y emocional al saberse traicionada por Diego de Rivera. En su diario rico en imágenes,  esbozos y  numerosos autoretratos Frida nos proporciona su pasión por la vida, la intensidad de  su sufrimiento y su lucha por lo que ella consideró valedero, su combativa y  política militancia.

 

Arte, Ecología y Arquitectura de Hundertwasser ..

Friedensreich Hundertwass nace el 15 de Diciembre 1928 en Viena-19 de Febrero de 2000 su nombre  significa "Reyno de la Paz Cientos de Aguas". Las características originales de Hundertwasser son la expresión del shock en el arte pictórico, la filosofia del ambientalismo-enviromentalismo  el diseño de casas, fachadas, ropa, vestidos,sellos postales y posters.

Los temas comunes en su diseño  son el rechazo a las líneas rectas, colores brillantes, formas orgánicas, una reconciliación de los humanos con la naturaleza, y un fuerte individualismo.

El permanece constantemente en su estilo  tan particular y único a veces sus diseños arquitectónicos se parecen a los del arquitecto catalán Gaudí en sus formas  biomorficas.  Fue inspirado por los trabajos de  Egon Schiele desde muy jove  y su estilo a menudo es comparado con el de  Gustav Klimt.  Su inspiración eran las espirales y llegó a denominar a la línea recta como la "herramienta del diablo". El denominó a su teoría del arte "transautomatismo", basando su teoría en el Surrealismo automático'.  

Los Manifiestos de  Hundertwasser:

Desde los años 80 estuvo apoyando constantemente campañas contra la energía atómica, a favor del uso del transporte público, la plantación de árboles, la salvación de la lluvia. Una nueva forma de arte se plasmó en la producción masiva de carteles y posters de gran calidad para diversas campañas en diferentes regiones del planeta. Siempre trabajando y apoyando a diversas causas parecia  estar en todas partes. Porque él mismo sabia que el trabajo era enorme y que él no podría acabar ni una mínima parte. Pero el trabajo que realizo será su obra artística.   

El derecho a la ventana (fragmentos de diversos discursos): Algunas personas dicen que las casas consisten en paredes. Yo digo que las casas consisten en ventanas. El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le apetezca todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo. Así será evidente para todo el mundo desde la lejanía, que allí vive una persona.

Cualquier clase de diseño personal es mejor que la estéril muerte. Nuestras casas están enfermas desde que existen planificadores urbanos dogmáticos y arquitectos de ideas fijas. Todas estas casas, que tenemos que soportar por miles, son insensibles, carecen de emoción, son dictatoriales, crueles, agresivas, lisas, estériles, austeras, frías y prosaicas, anónimas y vacías hasta el aburrimiento.

Nuestras ciudades son la realización de los caprichos dementes de arquitectos criminales que nunca hicieron el juramento hipocrático de la arquitectura: me niego a construir casas que puedan dañar a la naturaleza y a las personas. Un buen edificio debe lograr unir dos cosas: La armonía con la naturaleza y la armonía con la creación humana individual. 

 Hunderwasser sintió que la arquitectura estándar no podía denominarse como arte, y declaró que el diseño de cualquier edificio debería estar influenciado por la estética de cada uno de sus habitantes. Hundertwasser fue conocido por su performance art, en el que por ejemplo se puede ver como aparece en público  desnudo  promocionando un" baño" más ecológico y ahorrador de agua.

 El año 2000 Hundertwasser  es enterrado, siguiendo su voluntad, sin  nada  que lo separe de la tierra. Sobre el suelo de su sepultura, se plantó un árbol, según su creencia, ahora vive en el árbol que crece sobre el lugar de su regreso a la Gran Madre. Como toda su obra, él también corre en espirales, su obra comienza en el arte y en la tierra, y finalmente vuelve a ambos....

El Arte de Vicent van Gogh..

Vicent Van Gogh  nació en  Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890  fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.
La obra de Vicente van Gogh es muy fructífera, se conocen más de 900  pinturas a las que se suman 27 autorretratos y 127 acuarelas mas otras litografías y dibujos que fueron guardados por su hermano Theo de  quien podremos decir que era la única relación afectiva con la que contaba y  a quien escribió más de 800 cartas de las cuales solo se conservan 670  todas escritas en un lapso de 20 años.

Vicent van Gogh fue aquellos seres del cual podremos decir que no tuvo una existencia fácil y feliz rechazado constantemente dado a su temperamento difícil de dominar mucho probablemente a concecuencia de su condición de enfermo mental y otra simplemente por su incapacidad de establecer relaciones humanas duraderas, hizo de el un ser deprimido ignorado e  injustamente segregado y a pesar de todo de una enorme humanidad y sensibilidad para percibir el dolor y la pobreza que le tocó vivir. Sus famosos cuadros retratando a los comedores de papas expresa aquella soledad lúgubre de la realidad de la gente de la época, sin embargo fue criticado por su pobre técnica en dibujo y fue duramente ignorado por los galeristas de la época  irónicamente esos mismos cuadros alcanzaron precios arriba  de los  $82,5 millones en Christie's,  hace unos años, estableciendo así un nuevo precio récord en el mercado del arte.

La obra de Vicent van Gogh esta teñida por un dramático destino  debido a su sufrimiento de lo que parece ser esquizofrenia, depresión y epilepsia,  razón por la cual fue siempre indeseado, incomprendido y marginado de los pocos contactos humanos que en su vida lograra hacer, a esto se le suma  su incapacidad de tolerar  dirección en el trabajo y la insensibilidad con la que fue criticado en sus inicios como pintor.

La carrera de Van Gogh como artista  es relativamente corta comparado con la  de otros artistas de su época, Vicent llega a la pintura un poco como el último recurso de tener algo al qué dedicar su pasión por el arte, había sido un galerista sin éxito luego de ejercer como predicador  también  sin éxito  en las empobrecidas zonas mineras de su  Holanda natal.

 

Impresionismo

La siguiente etapa, en París  (1886-1887) es la que le pone en contacto con los  impresionistas que pretendían romper con el  cánones académicos  de la época, con el traslado a las pinturas de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Toulouse-Lautrec y  Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura.

Postimpresionismo

Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este estilo  fue utilizado por artistas como Cezanne. , Van Gogh y   Seurat, pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como  Matisse y Pier Bonnard

Expresionismo y Fauvismo

Su obra destaca por el uso del color y la frenética técnica que contiene algunos trazos del  expresionismo,  Van Gogh y  Gauguin tenían técnicas diferentes; Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar  así fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la vía del color.

"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón destruida a medias": éstas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de muerte el 29 de julio de 1890. Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise Francia.

El genio de Jackson Pollock

Jackson Pollock  nace en    Wyoming   Estados Unidos  el 28 de Enero  al  11 de Agosto 1956  fué el más influyente representante del Expresionismo Abstracto. De una personalidad compleja y volátil mucho debido  a su condición de Bipolar Desorden y a su adicción al alcohol, quizás  a consecuencia de ese mal razón por la cual alguna vez buscaría la ayuda de Arte Terapia con Jungian conceptos para calmar sus temperamentales sufrimientos.  Casado con Lee Krassner  pintora relevante también de la misma corriente. Jackson Pollock fue iniciado en el uso de pintura líquida por el pintor muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, salpicando pintura con un palo sobre gigantescas telas lo cual haría de esta técnica una caracterización de su estilo y obra.

 En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. 

Pollock fue apodado "Jack the Dripper"   jugando con las palabras  y dripper o goteador y que podría traducirse como "Jack el Goteador". Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947  año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería  Art of this Century.

 El impulso de goteado, es  una experiencia catartica que libera el espiritu  de  conceptos o preconceptos haciendo de esta  técnica  una de las más  efectívas  en  Terapia de Arte.